Claquete! Ação!
Cena 1: O cinema independente

Por Giulianna Mazzali, Maria Vitória Bertotti e Talita Cardoso

A história, o contexto, a luta, a importância, os festivais, o incentivo, a representatividade. A sétima arte e as histórias que as telonas de Hollywood não exibem

I: A história antes das histórias

II: O cinema independente no mundo

III: Lente Entrevista

IV: Lente Indica

V: Quiz - O quanto você sabe sobre cinema?

VI: O Oscar já saturou, né?

VII: Festivais de cinema ao redor do mundo

VIII: A representatividade no cinema independente

A história antes das histórias

Esboço da câmara escura feita por Leonardo da Vinci (Reprodução: Biblioteca Ambrosiana, Itália)

Todos já ouviram falar sobre os irmãos Lumière, não é? Mas calma que, antes deles, tem muita história para contar por trás do surgimento do cinema… Nossa linha do tempo começa na milenar China, por volta de 5 mil anos a.C., onde o teatro de sombras já retratava a técnica de usar a luz para projetar imagens ao público. Avançando nos séculos, encontramos Leonardo da Vinci que, ainda no século XV, revolucionou a tecnologia da época com sua invenção da câmara escura - utilizada posteriormente como base para a criação da fotografia.

Muitos outros equipamentos foram surgindo com o passar do tempo e o aperfeiçoamento do uso da luz para produzir imagens. Nossa última parada é em 1890, quando o engenheiro escocês William Kennedy Laurie Dickson, assistente do cientista e inventor estadunidense Thomas Edison, inventou o cinetoscópio, um aparelho em que se podia observar através de um orifício imagens projetadas em uma câmara escura, que criavam cenas curtas – porém, só podiam ser vistas individualmente, já que a máquina não permitia projeções em telões.

Finalmente, apenas em 1895, os irmãos Lumière entram em cena. Auguste e Louis Lumière patentearam uma versão do cinetoscópio desenvolvida pelo francês Léon Bouly em 1892 que era capaz de gravar e projetar a luz das imagens-movimento em tela, isto é, o novo equipamento, chamado de cinematógrafo, conseguia fazer projeções em maior escala para um público.

Foi com essa invenção que, em 22 de março de 1895, no Grand Café Paris, os irmãos realizaram a primeira exibição de filme da história do cinema: “La Sortie de L'usine Lumière à Lyon” (A saída da Fábrica Lumière em Lyon) retratava a saída de funcionários do interior da empresa Lumière, na cidade de Lyon, na França.

A partir desse dia, os Lumière passaram a criar diversas produções cinematográficas de pequena capacidade e exibi-las. A evolução do cinematográfico também permitiu que fosse possível criar verdadeiros produtos audiovisuais, com cenas dramáticas roteirizadas, elaboradas e idealizadas com certo nível de teatralidade – não apenas registrar cenas do cotidiano das pessoas e reproduzi-las sem alterações.

Irmãos Lumière e cinematógrafo patenteado por eles

O cinema independente no mundo

3. Georges Méliès, à esquerda, e D.W. Griffith, à direita.jpg

Depois da popularização do cinematógrafo, o cinema ganhou novas dimensões. Ao longo da história, nomes como o de Georges Méliès – que por meio da técnica do stop motion dirigiu, em 1902, o curta “Viagem à Lua” – e o de D. W. Griffith – que trouxe diversas inovações às técnicas do audiovisual, como no filme “O nascimento de uma nação”, de 1915 – foram um marco, sendo lembrados até os dias atuais pelo caráter revolucionário de suas criações.

Os anos foram passando, o cinema passou a ser nomeado como “sétima arte” e a indústria cinematográfica se transformou em um império de produções cada vez mais caras, elaboradas e, infelizmente, genéricas. Sob o conceito de entretenimento de massa, alimentado pela indústria cultural, o cinema tradicional ocupou as telonas e passou a ditar as tendências de gêneros e temáticas do momento, tendo como um dos seus principais influenciadores o cinema estadunidense hollywoodiano.

Porém, é nesse contexto que os mercados independentes emergem, atuando como um movimento de contraposição ao mercado dominante, caracterizado pela liberdade criativa e a experimentação autoral. Países como Itália, França e os próprios Estados Unidos exerceram um papel muito expressivo na história alternativa do cinema, bem como o Brasil, que também não ficou de fora da cena underground e mostrou a relevância de retratar temáticas até então excluídas do mundo audiovisual.

Georges Méliès e D.W. Griffith

Dito isso, vamos começar nosso tour pela história do cinema independente no queridinho das telonas: os Estados Unidos. Curiosamente, uma das teorias do surgimento do cinema independente estadunidense é que seu berço está em Hollywood. Isso mesmo, a grande indústria Hollywood! Em 1908, um acordo entre as grandes companhias da época criou restrições de comércio para empresas e estúdios menores que não estavam nas negociações, por isso, eles deixaram Nova Iorque, que era considerada o polo cinematográfico do momento, e se mudaram para a ensolarada Los Angeles. Os pequenos estúdios independentes, antes totalmente sem recursos, cresceram com o tempo e se transformaram na grande potência que compõe a atual Hollywood – dentre eles, Fox, Paramount e Warner Bros.

Contudo, no início do século, a maioria das produções dispunha de baixo orçamento e as diferenças entre a mídia predominante e o cenário alternativo eram mínimas. De acordo com a Woo! Magazine, especializada em publicações do gênero cultural, a new wave estadunidense do cinema independente tem início próximo ao fim da Segunda Guerra Mundial. “Com tecnologias mais baratas e acessíveis, de caráter experimental, o filme Meshes of an Afternoon (1943), rompe com conceitos clássicos de montagem, ritmo e som, elevando o espectador a um efeito de transe que possibilitava que o cinema fosse uma experiência sensorial.”, afirma Letícia Vilela à publicação.

As produções a partir desse momento passam a ser fragmentadas em duas correntes: Filmes B ou filmes de exploração e Filmes Cult. Os filmes de exploração se dividem em duas fases, cuja fase inicial, pertencente ao período do final dos anos 1950 e toda a década de 1960, caracterizava-se por retratar temáticas consideradas tabus para a época, com exibições autônomas. Já a segunda fase, que teve início a partir dos anos 1960, se destacou por subverter as normas padrões que imperavam as práticas das produções antecedentes. Sem as imposições estéticas ou o controle de censura, filmes audaciosos e impactantes se proliferam, como é o caso das obras dos cineastas Edward Wood e George Romero.

Em contrapartida, os filmes reconhecidos como Cults possuíam um caráter mais introspectivo e intelectual, uma forma mais crítica e reflexiva de apresentar as temáticas abordadas. Nesse contexto, destacam-se diretores como John Cassavetes, com filmes de baixíssimo orçamento como Shadows, e Martin Scorsese.

Letícia ainda comenta sobre a importância da criação do Sundance Festival para assegurar a presença dos filmes independentes no cenário comercial, mas também para retomar a antiga discussão do que é, por conceito, independente: “Com a criação do Sundance Festival para dar visibilidade a filmes independentes, idealizado por Robert Redford, esse cinema cresceu cada vez mais. Isso passa a gerar discussões em torno do assunto de categorização do que seria uma produção independente, uma vez que a linha entre esses filmes e os hollywoodianos torna-se cada vez mais tênue, já que essas produções, voltadas para nichos específicos de espectadores, contudo, tem grande potencial lucrativo. Isso faz com que a característica que permanece até os dias atuais desse cinema independente, unicamente, é a liberdade criativa dos autores para com suas obras”.

Cenas do filme Shadows, de John Cassavetes

Ciao! Nossa próxima parada é na terra que produziu artistas de Michelangelo à da Vinci, de Pavarotti à Fellini: a Itália. O berço do Renascentismo e um país de longuíssima tradição no incentivo à arte e à cultura, de maneira geral, também tem um forte movimento do cinema independente, que influenciou diversas vertentes cinematográficas e grupos de diretores e cineastas ao redor do mundo, como o Nouvelle Vague na França e o Cinema Novo no Brasil, que veremos mais à frente, o Cinema Livre na Inglaterra, a Escola de Cinema na Polônia e o Cinema Paralelo na Índia.

Acredite ou não, o cinema independente italiano surgiu graças ao ditador fascista Benito Mussolini… de certo modo. Isso porque, durante a Segunda Guerra Mundial, o principal estúdio cinematográfico do país, o Cinecittà, foi bombardeado por inimigos do ex-político, deixando a Itália à deriva no mercado audiovisual. É nesse cenário que um grupo de críticos composto por Luchino Visconti, Gianni Puccini, Cesare Zavattini, Giuseppe De Santis e Pietro Ingrao criou o movimento neorrealista italiano, ainda nos anos 1940, um dos principais e mais influentes movimentos do cinema independente, produzindo raízes até as contemporâneas produções do mercado de filmes.

Cena do filme Obsessão, de Luchino Visconti, um dos primeiros filmes do movimento

Com a Itália ainda se recuperando da violenta Segunda Guerra, as produções do cinema neorrealista tinham pouquíssimos recursos, utilizando-se de locações reais – já que não havia nenhum estúdio disponível para cenografia –, iluminação natural e uma quantidade mínima de equipamentos – que não possuíam nenhum profissionalismo técnico – para retratar temáticas da realidade e traduzir na tela todo o sofrimento que a população italiana enfrentava após a guerra. Segundo a Academia Internacional de Cinema (AIC), um renomado conglomerado do ensino audiovisual do país, o neorrealismo é um movimento que se dedicou a contar as histórias da classe trabalhadora. Katia Kreutz, integrante da instituição, afirma que “A maioria tratava de temas como as dificuldades econômicas e sociais na Itália pós-Segunda Guerra Mundial. Os filmes buscavam representar a mudança de mentalidade dos italianos e suas condições de vida, retratando o desespero, a opressão e a desigualdade que eles enfrentavam”. Infelizmente, as produções do neorrealismo não passaram da década de 1950. Com a perspectiva de deixar os problemas da guerra para trás e um novo plano de recuperação econômico oferecendo esperança ao país, os italianos não pareciam muito interessados em consumir representações de seus próprios tempos difíceis e o cinema independente neorrealista logo perdeu espaço no mercado.

Mesmo assim, sobre a irreverência da vertente artística, Kreutz reconhece a importância do movimento como forma de transpor a hegemonia do cinema estadunidense, tão reproduzido e espelhado pelas produções italianas da época. “Poucos movimentos tiveram influência tão profunda e duradoura no cinema global. O Neorrealismo italiano se espalhou como uma espécie de modelo contrário ao cinema comercial hollywoodiano. Seus métodos ofereciam um modo de produção que não dependia de grandes recursos, falando sobre homens comuns. O movimento criou uma nova visão de mundo, na qual os principais elementos do filme possuíam maior valor estético do que funções narrativas, relacionando-se com o olhar do espectador muito mais do que com a ação dos personagens”, reflete a jornalista. Isso significa dizer que, apesar de não ter seu valor reconhecido e aclamado pelo público italiano no período de sua existência, o neorrealismo não era apenas um novo estilo cinematográfico, mas uma filosofia moral e ética para libertar o cinema do confinamento do sistema hollywoodiano de estúdios e servir de inspiração para toda uma geração na trajetória do cinema na história.

6. Ladrões de Bicicleta, de Vittorio de Sica, um dos principais nomes do neorrealismo ital

Ladrões de Bicicleta, de Vittorio de Sica, um dos principais nomes do neorrealismo italiano

Capa da primeira edição da Revista Cahiers du Cinéma, criada em 1951

8. Cartaz do filme La Pointe Court, de Agnès Varda.jpg

Oui, oui, bienvenue en France! O país conhecido como o refúgio dos amantes e que tem em seu território a famosa “cidade-luz”, Paris, também é pioneiro nas produções do cinema independente mundial. O nouvelle vague é um movimento que surgiu no final da década de 1950 e início dos anos 1960 com a proposta de revolucionar as técnicas cinematográficas. Um grupo de críticos de cinema da revista Cahiers du Cinéma, criada por André Bazin em 1951, e de jovens cinéfilos apaixonados pela arte se reuniram em torno das bases teóricas elaboradas por Alexandre Astruc e o próprio Bazin para criar uma novo meio de enxergar cinema, em que a técnica era vista como forma de estilo.

Nomes como François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Jacques Rivette e Eric Rohmer utilizavam-se da rejeição à estética da montagem, aos cortes radicais e ao estilo de edição sutil para propor a subversão das convenções tradicionais e desconstruir as bases do cinema que giravam em torno da narrativa lógica e da continuidade do espaço e do tempo.

Com planos longos, uso da profundidade de campo, posicionamento e movimento de câmera, iluminação e distribuição da ação nos planos, os filmes procuravam fugir das tendências hollywoodianas, cujo único propósito era o comercial. Assim como o neorrealismo, o nouvelle vague procurava gravar em locações reais, abordar temas de cunho social, quebrar os paradigmas conservadores da época e refletir as revoltas políticas que aconteciam nos anos 1960. Para tal, se apropriaram do conceito de Astruc relacionado à autoria, que afirmava que o filme deveria ser uma forma de expressão artística pessoal – motivo pelo qual o movimento também rejeitava filmes adaptados de obras clássicas da literatura, que eram considerados apenas uma forma segura de garantir bilheterias, com trabalhos sem imaginação e autenticidade.

O primeiro filme considerado o início do nouvelle vague é o longa-metragem La Pointe Courte, de 1954, idealizado pelo cineasta belga Agnès Varda. Mesmo que a proposta do movimento fosse refletir a respeito das questões políticas e sociais do contexto pós-Segunda Guerra Mundial, o caráter revolucionário das proposições técnicas o tornaram reconhecido não apenas na Europa, mas no mundo inteiro, influenciando cineastas com o passar das décadas até o cinema atual.

Cartaz do filme La Pointe Court, de Agnès Varda

Nossa volta ao mundo não poderia terminar diferente: desembarcamos, finalmente, no Brasil. O país que construiu estilos tão marcantes no cenário cultural, da música à moda, passando pela literatura e pela arte, não tinha como deixar o cinema de fora. Conhecido como Cinema Novo, o movimento que surgiu nos anos 1950, mas se transformou no marco que é atualmente durante a década de 1960, se propôs a debater e expor as mazelas sociais da sociedade brasileira, como miséria, desigualdade social, autoritarismo, violência, em uma estética que ficou conhecida como “estética da fome”. Ao mostrar as favelas, a alienação, a exploração do povo, os cineastas pretendiam, inicialmente, se afastar das produções que seguiam a estética popular hollywoodiana, bem como elucidar e contrapor representações estereotipadas do “Brasil tropical, alegre e colorido”.

O Cinema Novo se divide em três fases que acompanham o contexto histórico em que está inserido. A primeira fase, que ocorre entre 1960 e 1964, tem seu início marcado pelo filme “Cinco Vezes Favela” (1961), lançado pelo Centro Popular de Cultura da União dos Estudantes Brasileiros e sob a direção Cacá Diegues, Joaquim Pedro de Andrade, Leon Hirszman, Miguel Borges e Marcos Farias. Sendo um dos primeiros filmes do Cinema Novo, delimitou as temáticas que caracterizavam a primeira fase, a mais crítica das três, abordando assuntos relacionados aos problemas sociais e às raízes culturais brasileiras – ou seja, mostrava a realidade nua e crua, em especial nas periferias e no sertão.

A segunda fase do Cinema Novo, que começou em 1964 e seguiu até 1968, precisou se adequar ao surgimento da Ditadura Civil-Militar Brasileira e, por isso, as características dos filmes sofreram alterações para não sofrerem com a censura política. Embora parte das produções tenham tentado retratar a angústia e na perplexidade de um país sob um regime autoritário, a insatisfação com a não-manutenção do sistema democrático e a aceitação do fracasso da cinematografia revolucionária levaram o movimento a incluir temáticas mais diversas e que atraíssem o interesse das grandes massas, como o cotidiano das classes médias urbanas.

Por fim, a terceira fase, que perdurou de 1968 até 1972, procurou trazer de forma mais intensa a estética popular, como descrito por Katia à AIC: “A Terceira Fase do Cinema Novo buscou sua inspiração no Tropicalismo, um movimento que fazia sucesso no país. Sua estética remetia às cores da flora brasileira, com influências da cultura pop e do concretismo, abusando do exagero. A ideia era chocar e romper com a arte ‘bem comportada’”. A maior crítica a essa fase do movimento é o fato de que ela seguia exatamente a mesma estética que a primeira fase procurava se distanciar, expondo uma certa contradição dentro do próprio Cinema Novo.

Por esse motivo, talvez, que a terceira fase tenha marcado também o fim do movimento, o que com certeza não o impediu de continuar impactando as produções nacionais até a atualidade. Sobre isso, a jornalista comenta: “Com a criação da Embrafilme, em 1969, o cinema nacional passou a produzir uma enorme quantidade de longas-metragens. Alinhados ao regime militar e preocupados com a censura, esses filmes não obedeciam mais às ideologias estéticas ou filosóficas do Cinema Novo. Assim, o movimento se dissolveu nos anos 1970, sendo substituído por produções mais comerciais e nacionalistas”.

Cena de Cinco Vezes Favela, precursor do Cinema Novo

Um cineasta do movimento que não pode deixar de ser mencionado e que permaneceu fiel aos ideais iniciais durante todas as etapas, mesmo após o exílio em 1971 por pressões da ditadura, é Glauber Rocha, que sempre se dedicou, em suas obras, a retratar a realidade social brasileira e denunciar os abusos que a população estava sujeita.

Títulos como “Deus e o Diabo na Terra do Sol” (1963), “Terra em Transe” (1967) e “O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro” (1969) moldaram a história do Cinema Novo e são lembrados e estudados até hoje. Nas palavras do próprio cineasta, o cinema deveria ser uma ferramenta de luta e transformação.

“Onde houver um cineasta disposto a filmar a verdade, e a enfrentar os padrões hipócritas e policialescos da censura intelectual, aí haverá um germe vivo do Cinema Novo. Onde houver um cineasta disposto a enfrentar o comercialismo, a exploração, a pornografia, o tecnicismo, aí haverá um germe do Cinema Novo. Onde houver um cineasta, de qualquer idade ou de qualquer procedência, pronto a pôr seu cinema e sua profissão a serviço das causas importantes de seu tempo, aí haverá um germe do Cinema Novo.”, afirmou.

10. Cartaz do filme O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro, um dos clássicos filmes

Cartaz do filme O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro, um dos clássicos filmes do cineasta Glauber Rocha

La Chimera (2023)

"La Chimera" é um filme de drama romântico escrito e dirigido pela italiana Alice Rohrwacher. A história é centrada em um jovem arqueólogo britânico que se envolve em uma rede internacional de artefatos etruscos roubados durante a década de 1980. O longa concorreu no 76º Festival de Cinema de Cannes, no qual estreou em 26 de maio de 2023, e ganhou o Prêmio AFCAE de Cinema Casa de Arte e o Palme Dog - Momento Vira-Lata.

O Oscar já saturou, né?

O Oscar já deu uma saturada, não? Todas as categorias da grande cerimônia costumam premiar apenas homens - em sua maioria - e pessoas brancas, mas têm presenciado uma sutil mudança dos últimos anos para cá ao entregar a estatueta para atores e atrizes negras, diretores e o título de melhor produção para nomes do leste asiático.

Esse fenômeno ainda é raro na Academia, que adota critérios tradicionais ao indicar e premiar as obras cinematográficas; exemplo disso é a clara exclusão do gênero terror que é excluído dos nomeados em quase todos os anos.

m breve histórico do desprezo que os filmes de horror recebem inclui desde a não nomeação de Mia Goth (atriz) pela sua atuação impecável e premiada em Pearl e X- A Marca da Morte, passando pelo clássico O Iluminado e o desdém que recebeu ao não ser indicado para nenhuma categoria sequer e indo até os primórdios dessa richa quando o filme Frankenstein (1931) também não recebeu indicação para concorrer ao Oscar.

Uma das hipóteses para isso acontecer é que, como os membros da Academia fazem parte do universo das >Artes Dramáticas<; elas prezam um tanto pelo que é mais tradicional e, enfim, esbarram na questão do terror fazer parte de um gênero popular que atinge as massas, tal qual blockbusters de super-heróis e fantasia.

Retornando aos festivais que oferecem ou já ofereceram oportunidades para todas as pessoas e gêneros de filmes, um dos primeiros que surgiram na história foi o Festival de Cinema de Veneza. No ano de 1932, ele inaugurou a que seria a primeira das premiações para filmes conhecida mundialmente.

Apesar de hoje em dia contar com exibição e indicação - em sua maioria - de filmes mais conhecidos e de produtoras maiores, ele já foi palco das obras desconhecidas pelo mainstream da época (que seriam os filmes bombados entre o público mesmo sem o advento da internet); Frank Capra era um dos nomes participantes das primeiras edições.

Outro nome muito conhecido do mundo dos festivais de cinema alternativo no exterior é o Festival Sundance de Cinema, que teve seu início em 1978 no estado de Utah, lá nos Estados Unidos, e continua até hoje mantendo suas raízes na independência das obras cinematográficas. O Sundance começou com a intenção de fugir dos parâmetros das produções de Hollywood e dar espaço e visibilidade aos novos talentos americanos.

A necessidade de dar reconhecimento não só aos grandes sucessos dos cinemas mundiais mas também às pequenas produtoras e artistas independentes fez com que esses festivais surgissem lá atrás. Hoje, a repercussão do cinema é bem diferente de como era no início, mas em cada festival, seja ele voltado ou não para o cinema independente, carrega um pouco da história das premiações já citadas por aqui - e ainda revoluciona com as que virão a seguir.

Num contexto nacional, esses festivais surgiram na tentativa de acompanhar a expansão da indústria cinematográfica e premiações que estavam rolando pelo mundo afora, com destaque para a Europa. Por aqui, alguns dos nomes mais conhecidos que dão reconhecimento ao alternativo são o Festival de Gramado e o Festival do Rio.

Festivais de Cinema

ao redor do mundo

Luz, câmera, ação… Tudo isso vindo, na maioria das vezes, da voz de um homem branco, cis e hetéro.

Para conhecer o New Queer Cinema:

Esse estereótipo do cineasta padrão não surgiu do nada. Se rodarmos a lista de vencedores de melhor direção do Oscar, apenas sete mulheres foram indicadas e, dentre elas, apenas três levaram a estatueta para casa.

Até mesmo a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, responsável pela organização da maior premiação do cinema mundial, percebeu a falha no mainstream e anunciou, em 2020, que a partir da premiação de 2025 apenas filmes que atingirem alguns critérios de representatividade poderão receber o prêmio de melhor filme.

A decisão surgiu de um histórico de pressão social, quando, em 2016, a hashtag #Oscarssowhite (Oscars Brancos Demais) virou trend no Twitter, denunciando que, dentre os artistas indicados para a categoria de melhor ator ou atriz, 20 eram brancos.

Assim, a Academia resolveu fazer uma repaginação para se tornar mais inclusiva e, entre os anos de 2015 e 2020, aumentou seu eleitorado de mulheres em 8%. Além disso, de lá pra cá, mais 819 membros de mais de 65 países compuseram a banca, com objetivo de quebrar o paradigma da premiação ser centrada no mercado norte-americano.

Uma produção mainstream é o reflexo da sociedade. Uma maioria esmagadora de pessoas privilegiadas e, apesar de pautas sociais aos poucos começarem a ser abordadas nas telonas dos blockbusters e as mãos de pessoas LGBTQIA+, mulheres e negros estarem mais presentes no processo de produção desde o roteiro até a direção, a representatividade do cinema hegemônico continua minúscula se compararmos com a do cinema independente, desde sempre muito focada em abordar temáticas pouco exploradas.

A Academia do Oscar precisou de décadas e muita pressão social para perceber algo de errado. Demoraram quase cem anos para perceber uma opressão que o cinema alternativo já denunciava no início dos anos 90 através do New Queer Cinema.

O movimento, que em português pode ser chamado de Novo Cinema Queer, surgiu com a proposta de produzir filmes com temáticas LGBTQIA +, longe da heteronormatividade da indústria. Obras com ativismo, sensualidade e reflexões predominavam no movimento.

No contexto brasileiro, a primeira obra a representar a homossexualidade foi Jenipapo (1995), dirigido por Monique Gardenberg, retratando a história de um repórter e um padre em um contexto de luta pela reforma agrária no nordeste do país, onde acabam se apaixonando.

Mas não há dúvidas de que não só no cinema estadunidense que a falta de pluralidade e representatividade é um problema. Em uma pesquisa levantada pela GEMAA (Grupo de Estudos Multidisciplinar da Ação Afirmativa), entre 1995 e 2018, mais da metade dos diretores dos filmes brasileiros de grande público eram homens brancos. No roteiro, o padrão se repete.

“Eu sentia necessidade de encontrar qualquer filme ou novela, que fosse voltada para o público LGBT”. Comenta Rodrigo, formado em Rádio, Televisão e Internet na Unesp de Bauru e diretor do curta LGBTQIA+ “Eu Estou Aqui”, que já foi assistido por mais de 100mil pessoas. “Na maioria das vezes que eu via personagens homossexuais sendo representados na tela, eles eram sempre parecidos. Ou tinham histórias trágicas, problemas com familiares, problemas de aceitação ou eram personagens caricatos."

A produção de seu curta, segundo ele, veio da necessidade de contar uma história que trouxesse um romance como qualquer outro. Entre dois homens, mas que não fosse focado nas problemáticas que ser homossexual na sociedade brasileira pudesse trazer.

O cinema independente consegue quebrar esses paradigmas, trazendo diversidade de vozes silenciadas pelo mainstream. A representatividade dos produtores alternativos vai além do que está na frente das câmeras, se estendendo a todo o processo de produção. O diretor também acredita que uma das maiores magias do cinema independente é poder contar suas histórias sem amarras, com a visão singular do mundo do diretor.

#1: 2 Garotas In Love (1995)

Sinopse: Uma jovem rebelde se apaixona pela garota rica de seu colégio.

Direção: Maria Maggenti

País: Estados Unidos

#2: Primeiro Verão (2000)

Sinopse: Dois adolescentes que se apaixonam nas férias e o que sobrou do relacionamento após 18 meses.

Direção: Kit Hung

País: França; Bélgica

#3: Young Soul Rebels (1991)

Sinopse: Dois amigos administram uma rádio pirata. Quando um crime acontece, eles se tornam os principais suspeitos.

Direção: Isaac Julien

País: Reino Unido

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#4: Mal dos Trópicos (2004)

Sinopse: Uma história mítica entre um soldado e um garoto do campo baseado no folclore tailandês.

Direção: Apichatpong Weerasethakul

País: Tailândia

#4: All Over Me (1997)

Sinopse: Uma adolescente se apaixona pela melhor amiga, que está saindo com um cara, até um assassinato mudar tudo.

Direção: Alex Sichel